日本なかま | 何世紀にもわたるマンガの進化

「マンガ」という言葉は、もともと漢字で書かれていました。 これらの文字は実際には「面白い、任意に描かれた絵」と訳されますが、「マンガ」という言葉は、実際には「まんぴつか」の略語であると漫画史家の清水功氏などによって推測されています. 中国語の「まんぴつ」から派生した言葉で、通常は文体を指します。

一方、単なるエッセイのような文章ではなく、プロットと視覚芸術を組み合わせた現代のマンガの概念は、視覚的に知覚できる物語とコミュニケーションを明らかに自然に好む日本社会に端を発しているようです。 18 世紀から 19 世紀にかけて、「マンガ」は「ランダム スケッチ」として理解され、見られるようになりました。

これらの絵画のランダムな性質の中で、ストーリーテリングの力が生まれました. 興味深いことに、「がが」と「書く」を表す中日文字は、同じ文字に由来します。 この視覚的なストーリーテリングの日本の概念は、文化や伝統を解釈するのではなく、書かれた文学として記録するのが慣習であった中国のような国とは対照的でした. このように、マンガは（日本がグローバル化する前に定義されていた）自由な行為として理解されており、使用するブラシ、線、形、色の種類が厳密に定義された独自のアート スタイルではありません。 さまざまな主題とスタイルの絵画芸術をもたらす表現と創造。

この無限で自由な芸術形式としての漫画の主な表現は、浮世絵師によって最初の巻が出版された北斎漫画です。 葛飾北斎（1760～1849） 1814年に再び。 1878 年までに合計 17 巻のオリジナル ボリュームが発行され、最後の 3 巻は故浮世絵師へのオマージュとして他の人によって作成されました。 全体として、北斎マンガのボリュームは、当時のマンガの最高峰を網羅しています。これは、一種のビジュアル ダイアリーとして作成されたものであり、人生の断片を自由に図解した基盤であり、描かれた瞬間のコレクションです。 ストーリーが明らかにする出​​来事ではなく、文書化され構造化された方法でストーリーを伝えます。

この表現と表現の強調に続いて、19世紀後半まで、日本の芸術家は、現在芸術的スタイルのよく愛されている特徴である漫画の特定の要素を避ける傾向があることに注意する必要があります. イベントを順序付けられたパネルに分割します (コンマ単位)。 彼らにとって、この手法の使用は時間の流れを理解する上で非効率的であり、作成者は同時シーケンスを認識する代わりに、イベントを物理的に小さなボックスに分割する必要があります。

また、コマバリ パネルは、有名な僧侶 (セツヴァカ) やその他の仏教の物語を説明するために同様の連続したレイアウトが使用されたため、いくつかの宗教的な意味合いに関連付けられています。 これにより、アーティストが線表現のパネルを使用することから遠ざかり、技術を調整するために西洋文化 (つまり、アメリカン コミック ストリップ) を使用するようになるという偏見が生まれました。